Barcelona ganará en septiembre un nuevo monumento modernista visitable, la Torre Bellesguard.

Esta singularísima obra de Antoni Gaudí, ubicada a los pies del Tibidabo, ofrecerá visitas diarias por primera vez en su larga historia, tanto a sus jardines como al interior. La iniciativa surge de los nietos de su propietaria, Amèlia Roche, que han adecuado la finca para que pueda recibir a grupos y particulares a partir del miércoles 18 de septiembre, de lunes a sábado y en dos modalidades distintas.

Bellesguard tiene varias particularidades que le otorgan un valor histórico y artístico distinto al de los grandes hitos del modernismo barcelonés, como La Pedrera o la Casa Batlló. Antoni Gaudí la construyó para Jaume Figueras, comerciante y amigo personal del arquitecto, que quería construir su flamante residencia en un espacio emblemático y lleno de significado político. La colina donde está situado albergó en el siglo XIV el castillo de Martí l'Humà, el último rey del Casal d'Aragó. Según dice la leyenda, en el siglo XVIII también sirvió de escondite al bandolero Serrallonga. Para dos hombres de la Renaixença como Figueras y Gaudí, Bellesguard era un espacio único, para el que había que crear un edificio igual de especial y simbólico.

El genio modernista aprovechó los pocos elementos que quedaban de la fortaleza medieval –que mucho antes ya había sido torre defensiva romana y seguramente también poblado íbero– e ideó un nuevo edificio con apariencia de castillo, con almenas y más líneas rectas de las que son habituales en su estilo. Rompió la rigidez con una piel de pizarra y muchos volúmenes incrustados en la fachada, como bancos de mosaico, verjas de hierro forjado, coloridos ventanales, cenefas de ladrillo, barandillas y tuberías en forma de hiedra. Tras servir de vivienda a la viuda de Figueras –él murió antes de verla terminada–, fue incautada durante la Guerra Civil y usada como orfanato.

En 1944 el oncólogo Lluís Guilera Molas, suegro de la actual propietaria, compró la torre y la convirtió en un pequeño hospital oncológico, etapa de la que se conserva abundante documentación, instrumental y fotografías. Es Bien Cultural de Interés Nacional desde 1969. En las últimas décadas ha sido únicamente residencia familiar y lo seguirá siendo ahora que abrirá al público. 

Fte: La Vanguardia

EL SÁBADO 18 DE MAYO, MÁS DE SESENTA MUSEOS DE BARCELONA Y EL ÁREA METROPOLITANA TE ABREN LAS PUERTAS, GRATUITAMENTE, HASTA LA MADRUGADA. EXPOSICIONES, CONCIERTOS, DANZA, VISITAS COMENTADAS, TALLERES Y ACTIVIDADES PARA TODA LA FAMILIA.

El próximo mes de julio se cumplirán diez años de la desaparición de Roberto Bolaño, el escritor chileno afincado en Barcelona. Autor de novelas tan aclamadas por crítica y público como Los detectives salvajes o 2666, pero también poeta infrarealista, el CCCB (Barcelona) le dedica ahora la exposición Archivo Bolaño. 1977-2003, que supone la presentación de numeroso material inédito del archivo de sus herederos y abarca los años en que el escritor vivió en Cataluña, la mitad de su vida.

La singularidad de esta exposición, más allá del enfoque temático, el tejido museográfico innovador y el diálogo con el visitante, es la presentación de ese material inédito. Novelas, cuentos, poemas, cuadernos, correspondencia, fotografías familiares, revistas y fanzines, su biblioteca personal, entrevistas, juegos de estrategia y otros valiosos materiales exhibidos en la muestra constituyen una primera exploración del Archivo Bolaño que nos permite conocer con mayor profundidad su universo creativo y contribuir a una lectura más libre y fecunda de su obra.

Tres ejes temáticos

El proyecto se ha concebido a partir de tres ejes temáticos entrelazados que expresan algunas de las claves más perennes del universo creativo del autor de Los detectives salvajes. El primero define una geografía concreta a través de tres ciudades, Barcelona, Gerona y Blanes, donde Roberto Bolaño creó casi toda su obra; el segundo presenta su cronología creativa completando la publicación de sus libros, y el tercero permite aproximarnos a los procesos de trabajo del escritor.

El recorrido expositivo toma como base estos núcleos temáticos y los desarrolla a través de un prólogo, referencia imprescindible a los años vividos en México, y tres etapas precisas: 1ª) La universidad desconocida. Barcelona 1977-1980; 2ª) Dentro del caleidoscopio. Gerona 1981-1985, y 3ª) El visitante del futuro. Blanes 1985-2003.

Investigación detectivesca

La visita a la exposición se concibe como una investigación detectivesca. El lector-visitante es el policía o detective sometido a una serie de pruebas y juegos, no exentos de humor e ironía. En la formalización del itinerario se da preferencia a la metáfora del caleidoscopio, al que el propio autor se refiere en diferentes pasajes de sus libros. La misma escena con diferentes personajes, los mismos personajes en escenas diferentes.

Archivo Bolaño. 1977-2003 coincide con la séptima edición bienal de Kosmopolis, la Fiesta de la Literatura Amplificada, que tendrá lugar en el CCCB del 14 al 16 de marzo de 2013.

Fuente: Diario Hoy es Arte

La Barceloneta rememora sus orígenes con la segunda edición de la Fiesta Barroca.

Un taller infantil de música en la Casa de la Barceloneta de 1761 abrirá este viernes, 1 de febrero, la segunda edición de la Fiesta Barroca. A lo largo de todo el fin de semana, el barrio acogerá varios actos culturales, lúdicos y participativos que permitirán hacer un viaje imaginario a la Barceloneta de 1753.

Además del programa de actos de los tres días de la fiesta, durante todo el mes de febrero se pueden visitar tres exposiciones relacionadas con los orígenes del barrio. Hasta el 8 de febrero, las escuelas pueden también hacer visitas guiadas a La Casa de la Barceloneta de 1761, el equipamiento del barrio que organiza la Fiesta Barroca de este año.

Si es febrero y nos reunimos para hablar y leer novela negra solo podemos estar en Barcelona, a orillas del Mediterráneo, al sur del Viejo Continen te. Por octavo año consecutivo, nuestra ciudad se convierte en la mejor plaza para disfrutar de las ficciones más negras del año.

Europa, precisamente, va a planear sobre el encuentro de este año de for ma especial: nos reencontraremos con Martin Beck, el policía creado por Maj Sjöwall (VIII Premio Pepe Carvalho) y por Per Wahlöö, fundadores de la novela negra europea moderna; celebraremos la reedición de Simenon y su comisario Jules Maigret, el primer policía con una saga detrás y, asi mismo, de las novelas de Carvalho, precisamente cuando hace diez años que lloramos la muerte de su padre, Manuel Vázquez Montalbán.

En el BCNegra 2013 estarán presentes Salvo Montalbano, Petra Delica do, Ricardo Méndez, Bevilacqua y Chamorro, los nuestros de siempre... Y asimismo los autores (europeos, catalanes y del Estado español) que nos proponen a nuevos cómplices para nuestros tiempos de lectura.

Nuestro continente ha sufrido profundas transformaciones en los últi mos tiempos, como la creación de nuevos estados y la reivindicación de otros que pueden llegar a crearse, y nuestros detectives, comisarios y po licías no quedan al margen de ello.

Esta nueva edición del BCNegra también nos ofrecerá más de 50 acti vidades gratuitas: los Mossos d’Esquadra nos van a sorprender con la primera ficha policial jamás redactada, y el escritor Màrius Serra nos ha preparado un negrocriminalograma que deberemos resolver entre todos. Constataremos la diversidad de escenarios y estilos de los nuevos narradores catalanes, hablaremos de venenos, de arte robado, de periodismos, de secuestros..., de aquellos temas que como ciudadanos y lectores nos ocupan y nos preocupan.

Hablar, leer, sentir, conocer, imaginar, escuchar, compartir...

De eso va este encuentro.

Barcelona, 1 a 9 de febrero

Programa BCNegra 2013

Durante los días previos al solsticio de invierno (ya que es una tradición pagana que ha acabado incorporándose a las fiestas navideñas) los más pequeños de la casa le van dando de comer, cuanto más mejor, porque así será más generoso. Normalmente los peques le dan de comer lo que ha ido sobrando de sus platos (buena excusa para dejarse algo), aunque en algunas comarcas el Tió es alimentado de restos de frutas, cáscaras, etc, aquello que no se ha comido el Tió es retirado por los padres. En sus orígenes, el día de Nochebuena, tras la cena y antes de acudir a la “Misa del Gallo” (como marcaba la tradición) la familia se colocaba alrededor del Tío y éste era golpeado por un bastón, mientras se cantaba una pegadiza canción popular. De debajo de la manta el Tió iba “cagando” pequeños regalos (normalmente dulces, barquillos –neules en Catalunya- turrón, etc) los cuales dejarían bien surtidos a los niños para todas las fiestas.

El Tió era originariamente un tronco que quemaba en la chimenea de la casa y regalaba calor, luz y, simbólicamente, todo lo necesario para la celebración (los dulces). Hoy en día este sentido es mucho más materialista. Su nombre proviene de del latín titio: ‘tizón’, ‘tea’, ‘antorcha’,’hachón’.

El caganer es una  de las figuras más características y entrañables de la imaginería catalana popular navideña. La inserción de esta desinhibida  y controvertida figura en el belén es un contrapunto que humaniza la representación  del misterio de Navidad y hace de esta representación doméstica una maravillosa síntesis que armoniza su mensaje transcendente y sobrenatural con la realidad material y los condicionamientos biológicos de nuestro organismo. Figura que anualmente es objeto de una continua y creativa reinterpretación por parte de los artesanos que las modelan, el caganer es uno de los elementos que personalizan y dan identidad a nuestra imaginación navideña en medio de la profusa invasión de iconografía de tradición  anglosajona que nos invade en estas fechas.

El caganer representa un individuo, agachado y con las nalgas al descubierto, satisfaciendo sus necesidades fisiológicas al aire libre. La versión más conocida de este personaje es, sin duda, la genuina y singular figura que encontramos formando parte de nuestros belenes domésticos y que también recibe el nombre de “cagón”, “hombre que caga” u “hombre que hace sus necesidades”. Acompañado e veces de algún animal que olisquea curioso y colocado tradicionalmente debajo de un puente, detrás de un pajar o en otro sitio oculto –ya que sería una falta de respeto que esta figura estuviese situada en un lugar del paisaje belenístico que fuese visible desde la cueva del Nacimiento o por los que van a adorar a Jesús-, es costumbre que cuando la chiquillería contempla el belén se le diga: ¿Donde está el “caganer”?, a fin de que se entretenga buscándolo.

El “caganer” no aparece de una manera exclusiva en los belenes, sino que también se presenta en otras formas de la imaginaría popular. Durante los siglos XVI, XVII y XVIII, época de preponderancia de los gremios, lo encontramos con motivo de las llamados 2azulejos de oficios”.  Existen también romances del siglo XIX, en catalán y castellano, que glosan al personaje del “caganer” y las acciones biológicas que escenifica. Es posible que la incorporación del “caganer”  al belén tuviese lugar durante el período del barroco –al final del siglo XVIII- movimiento que se caracterizaba por el extremado realismo que vertió, sobre todo, en las naturalezas muertas  y en las escenas costumbristas, todas ellas muy relacionadas con la descripción de la vida del pueblo. Fue entonces cuando las condiciones de trabajo y las escenas domésticas y al aire  libre se tuvieron en cuenta como temática artística. De esta manera, se dignificaban aspectos de la realidad cotidiana que, hasta ese momento  se habían menospreciado.

Dentro del impulso barroco y de acercamiento costumbrista a la realidad, el “caganer” alcanza todo su significado, crudo, irónico y escatológico a la vez, consecuente con la condición humana y con las servidumbres de su naturaleza. Se trata de una figura muy adecuada y totalmente identificada con el medio rural del que procede.

La figura tradicional del “caganer” es un payés tocado de barretina.  Suele llevar un cigarrillo en los labios o fumar una pipa mientras cumple su obligación natural, y algunas veces tiene en las manos un trozo de papel o un periódico abierto para amenizar la tarea con la lectura y emplearlo para la posterior limpieza. Por lo que hace referencia a la variante femenina de esta popular figura, es preciso decir que de unos treinta años a esta parte se fabrican también modelos de “caganera”. Su creador fue el artesano barcelonés Lluis Vidal, coincidiendo con la época de la aparición de las primeras minifaldas en la calle.  A parte de estas tipologías, que son las más habituales, hay también modelos vestidos con la indumentaria hebrea.

Cada año, los artesanos pesebrísticos, como novedad, con motivo de un acontecimiento de actualidad o de una circunstancia concreta, o bien para satisfacer a los coleccionistas, crean modelos insólitos y especiales. Entre algunos de estos modelos singulares señalaremos los “caganers” futbolistas vestidos con la camiseta de los colores del Español o del Barça, el “caganer” olímpico que realizó el artesano Godia le Navidad de 1986, año de la nominación de Barceloa como ciudad olímpica, o también el “caganer” peregrino del Camino de  Santiago creado el año 1999 por la ceramista Anna Mª Pla con motivo  del Xacobeo de aquel año.

A semejanza de los gigantes y de las gigantas, existen figuras de “caganers” propias y alegóricas de distintos pueblos y villas, como por ejemplo los “caganers” de Ripoll,  de Bagá, de Centelles, de Anglés, etc.

Aunque es Cataluña donde existe una más enraizada tradición y popularidad, el “caganer” del belén no es una figura exclusiva de Cataluña, ya que la encontramos también en los belenes de Murcia, Portugal, Nápoles, etc. donde son conocidos con los nombres de “cagones”, “cagöes” y “cacone” o “pastore che caca”.

La fecha más antigua que conocemos de la “fira” corresponde al año 1786. Esta fecha es bien concreta y no dá lugar a dudas, tanto de la celebración de la “fira”como de su importancia, ya que dos fuentes muy fidedignas lo constatan. La primera de ellas la hallamos en los escritos de Rafael Amat, escritor catalán del siglo XVIII (1746-1818), conocido con el sobrenombre de Barón de Maldá, y donde en una crónica de su dietario de 60 volúmenes titulado “Calaix de Sastre” se dice : “Día 13 de Diciembre, Santa Lucía virgen y mártir. Hubo fiesta en la Catedral, en la capilla y en el altar donde se venera la imagen de la Virgen; y fuera, en los claustros, con la feria delante de su calle, muchos puestos de belenes, figuras de barro y cartón, imágenes de santos, pastores, animales..., que hacen que haya multitud de gente,(...). Y dentro de la Seo la gente oye misa y reza a la virgen para que les conserve la vista con la claridad.”

Ni las calamidades, como la terrible epidemia de fiebre amarilla que padeció la ciudad de Barcelona en el 1860, impidieron la celebración. Joan Amades habla de Santa Llúcia como la patrona de las modistas, sastres y de todos aquéllos que trabajan el arte de la aguja, asimismo también de los ciegos; es por ello que se la conoce popularmente como “la abogada de la vista”.

También se dice que la misma feria era conocida como “la feria de las mozas”, ya que se creía que iban chicas solteras para concertar desposos. Las mozas de los alrededores iban acompanyadas de su madre, bien vestidas y arregladas, para poder encontrar un pretendiente.

El día de Sta. Llúcia, en algunas poblaciones de Catalunya, las niñas que en el siglo XIX y parte del XX estudiaban costura, hacían fiesta y corrían por el pueblo o ciudad entonando canciones y salmos. La gente las apodaba “llucietes”. En otros lugares, se conoce que las chicas se reunían a escuchar misa y luego iban en grupo por las casas recogiendo limosnas y donativos. Una de ellas representaba Sta. Llúcia y llevaba puesta una corona de flores y las que la acompañaban eran las “cardenalas”. En Barcelona , las modistas se reunían en el Parque de la Ciudadela donde se celebraba una gran fiesta.

En algunas fuentes podemos leer que a lo largo del s.XIX, en la “fira” de figuras de pesebre se hallaban vendedores de muñecos de cartón, que eran accionados estirándolos de un cordel. A pesar de no tener ninguna relación con el pesebre, los niños quedaban embelesados ante ellos y esto ayudaba a que hubiese una mayor afluencia de gente en la “fira”.

Amades escribe que en el siglo XIX se celebraba feria de belenes tres días: por la Purísima y por Santa Llúcia, en la plaza de la Catedral; y por Santo Tomás, en las plazas del Pi, de Sant Josep Oriol y en la del Born. En estas ferias se vendían figuras, casetas,y otras construcciones y piezas propias del belén, como puentes, fuentes, molinos, pozos, pajares... En cambio, los elementos propios para la construcción del paisaje como el musgo, el corcho , murtra y demás hierbas podían encontrarse en las escaleras de la Seo. Nuestros abuelos distinguían bien ambas ferias: la de belenes y la de hierbas.

La afición por el belén fue en crecimiento e hizo que ambas ferias aumentasen de puestos de venta hasta el punto de unirse.

Ya entonces, aconteció la costumbre de que los niños acompañados de sus padres fuesen a pasear, a pesar del frío propio de la época del año, con tal de vivir el ambiente navideño y sentirse arropado por el bienhacer de los vendedores. Al llegar al hogar con todo lo necesario comprado en la “fira”, las famílias construían el belén que servía de entretenimiento de los pequeños de la casa y del disfrute de los mayores.

Algunas fuentes anteriores al s.XX, destacaban que los verdaderos belenistas no inuguraban el belén hasta la Nochebuena, ya que consideraban irreverente simular el misterio del nacimiento del niño Jesús antes de producirse.

Durante el primer tercio del s.XX, el día de Sta. Llúcia toda Barcelona acudía a la pequeña capilla dedicada a la Santa para prevenir el mal de ojos. Los alrededores de la capilla se llenaban de gente, y los feriantes vendían lo mejor que tenían.

Con respecto a su instalación, la “Fira de Sta. Llúcia” ha cambiado mucho si se compara con antaño. Por ejemplo, a principios del siglo XX, según las fotografías que se conservan, los feriantes montaban sus puestos con un gran tablero de madera y unos sencillos estantes, protegiéndolos con un rudimentario entoldado impermeabilizado con aceite de linaza, y se iluminaban con luces de petróleo o acetileno, cuando empezaba a oscurecer.

Ahora, en cambio, las paradas son de madera, bien equipadas y resistentes, e iluminadas con luz eléctrica.

Paralelamente a los puestos de figuras y objetos de corcho o artículos de adorno, también se instalan puestos llamados de “verde” en los que se halla musgo, brusco, laurel, abetos, corteza de corcho, muérdago...

Además de lo ya citado, seria necesario hacer mención de algunos de los muchos artesanos del mundo del belén que han hecho posible el suceder de la “fira” a lo largo de los más de 200 años de pervivencia. La gran afición a los belenes en Cataluña y en el resto de España ha dado paso a artistas que han destacado en el arte belenístico. Si hablamos del pasado, seria importante citar dentro del mundo de las figuras del belén a cuatro de los artistas más relevantes: Francisco Salzillo (1707-1783) de Murcia, Ramón Amadeu (1745-1821) de Barcelona, Damià Campeny (1771-1855) de Mataró, y Doménech Talarn (1812-1902) de Barcelona.

De todos ellos, tenemos constancia por distintas fuentes que el barcelonés Ramón Amadeu fue vendedor en Sta. Llúcia. Como puede leerse en una de sus biografías, Amadeu que nació cerca de la iglesia del Pi y de linaje humilde, ejerció de alfarero e hizo muchas figuras de belén que él mismo, bien joven, vendía en la “fira”. De modesto artesano llegó a ser considerado como el mejor artista de su época, y se conoce que el rey Carlos III siempre que venia a Barcelona lo visitaba en su obrador. Sus obras fueron de un barroquismo suave, más cercano al estilo francés que al italiano o al murciano.

Bajo el lema Material sensible, este proyecto brinda al público la oportunidad de estar informado sobre el estado del mundo con unas fotografías que destacan por su excelencia estética, su valor informativo, su sensibilidad y su capacidad de emocionar.

Diez categorías

El World Press Photo destaca por la calidad de sus fotografías, así como por el debate y la crítica que generan cada uno de los trabajos presentados. Una cita con los acontecimientos sociales, políticos, culturales y deportivos del último año que también es un escaparate para los mejores fotorreporteros del momento, ofreciéndoles la oportunidad de presentar un trabajo muchas veces censurado por los gobiernos y los medios.

Un año más, un jurado internacional formado por 19 miembros ha sido el responsable de escoger las imágenes ganadoras entre las enviadas por fotoperiodistas, agencias y periódicos de todo el mundo. En la edición World Press Photo 2012 han participado 5.247 fotógrafos de 124 nacionalidades (217, españoles), con 101.254 envíos de imágenes clasificados en 10 categorías: retratos, personajes de actualidad, temas de actualidad, noticias de actualidad, temas contemporáneos, vida cotidiana, naturaleza, artes y entretenimiento, y deportes.

Barcelona. World Press Photo. Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona CCCB.

Del 29 de noviembre de 2012 al 6 de enero de 2013.

El Restaurant Week apareció por primera vez en 1992 en Nueva York, en colaboración con la Semana de la Moda y con el finde aumentar el volumen de las ventas en la denominada "temporada baja", tradicionalmente tiempos de baja ocupación en los restaurantes turísticos.

La esencia del restaurantweek es democratizar el acceso a la restauración y es, en muchos casos, también una aspiración, que ayuda a la revitalización de las ciudades, ya que promueve la vida social de las poblaciones en el tiempo y lugar considerado más favorable para los efectos: la comida.

Para celebrar el evento de Restaurant Week, los restaurantes participantes de la iniciativa ofrecen un menú específico y único a un precio especialmente atractivo, que varía en función del coste de vida en cada ciudad, permitiendo a todos los ciudadanos el acceso a los alimentos de calidad en la restauración. Este coste en las ciudades españolas es de 24 €uros (Bebidas e IVA excluísod) más 1 Euro de donativo para las ONGs benéficas participantes.

Del 16 al 25 de Noviembre

Esta muestra explica cómo y por qué surge un nuevo área de espectáculos en la ciudad de Barcelona y todo lo que acontece en ella durante más de 40 años. La avenida Paralelo acogió una oferta cultural genuina y única en Europa, por su magnitud y singularidad. Un conjunto de manifestaciones de la cultura popular y de masas fruto de unas circunstancias históricas que transforman el paisaje social, económico y político e instalan la ciudad de Barcelona en la modernidad con todas sus contradicciones.

Lo que acontece en el Paralelo desde finales del siglo XIX hasta el 22 de enero de 1939 –fecha en la que cierran todos los teatros de Barcelona, terminada la guerra– es similar al Montmartre de París o al Broadway de Nueva York, pero hay que remarcar que es un caso único en el mundo. A diferencia de estos y otros ejemplos internacionales, el Paralelo es un ámbito de hegemonía popular que desde su nacimiento se convirtió en una expresión cultural genuina del conflicto social y político que caracterizaba a la Barcelona de la primera mitad del siglo XX y generó unos espectáculos de contenidos y formatos perfectamente diferenciados, confeccionados por el público y por los artistas.

Organizada y producida por el CCCB, la muestra ha sido comisariada por el director escénico Xavier Albertí y por el periodista Eduard Molner.

Una nueva avenida

El Paralelo es una de les avenidas de Barcelona que, como la Diagonal o la Gran Vía, surge del proyecto de ensanche de la ciudad de Barcelona ideado por Ildefons Cerdà. Desde su nacimiento, una serie de disposiciones urbanísticas contradictorias facilitaron la aparición de edificaciones efímeras y la conversión de esta calle en una densa área de ocio y espectáculos.

En 1894 se inaugura oficialmente como vía urbana de Barcelona. Desde entonces, en torno a la avenida, crece un barrio de ocio para las masas, perfectamente equiparable a los existentes en otras grandes aglomeraciones urbanas europeas de aquel momento.

Una oferta cultural genuina

Esta exposición explica por qué surge una nueva área de espectáculos en la ciudad, que hace que el peso del eje teatral se traslade desde la zona de Plaza Catalunya - Paseo de Gracia hasta el eje Nou de la Rambla - Paralelo.

También explica cómo se configuran las nuevas modalidades de expresión escénica a partir de dos elementos fundamentales: la representación de las formas de vida del Distrito V y de las transformaciones sociales y sus nuevos códigos de valores, y la penetración de géneros escénicos populares foráneos y su «nacionalización» a partir de la demanda del nuevo público.

El Paralelo se convierte en la manifestación más visible de un profundo cambio en la percepción social del sexo. Un cambio que afecta a la sociedad catalana de una forma muy transversal y que tiene que ver con los estándares de tolerancia hacia la ruptura de la moral tradicional.

El Paralelo es asimismo el lugar en el que se manifiestan las ideologías que mueven a las organizaciones políticas y sindicales de las clases populares. Republicanismo, socialismo y anarquismo se expanden por la ciudad y a menudo tienen un punto de encuentro en los teatros donde a veces se realizan mítines por la mañana y espectáculos por la tarde y por la noche.

Despliegue de recursos expositivos

Con un montaje escenográfico diseñado por emiliana design studio, la exposición muestra fotografías, materiales audiovisuales, documentos sonoros recuperados, libros, folletos, revistas, programas, carteles, partituras, atrezzo, vestuario y objetos diversos.

Las artes plásticas son parte fundamental de la exposición. Todo este mundo del Distrito V queda reflejado en la obra de Isidre Nonell y de Ricard Opisso, que son los primeros artistas que pintan el Paralelo y su área de influencia. Pero la lista de artistas plásticos que se inspiran en esta zona de la ciudad es amplia e incluye todo el periodo que abarca la exposición. Entre otros, encontramos a Pablo Picasso, Francesc Domingo, Ricard Canals, Ricard Urgell, Rafael Barradas, Emili Bosch, Ismael Smith, Jaume Passarell, y los fotógrafos Josep Brangulí y Gabriel Casas, entre otros.

  Hace unos días fuimos a visitar el Palacete Albeniz, escondido a la espalda del Palau Nacional (MNAC) y abierto al público con ocasión de las fiestas de La Mercè. Pero había tanta gente y nos gusta tan poco hacer fila que nos tuvimos que conformar con pasear por los magníficos jardines de Joan Maragall. Eso si, nos dieron un folleto que explica el Palacete de maravilla!

El Palacete Albeniz, de estilo neoclásico, fue construido como lugar de reposo para los reyes de España dentro del recinto de la Exposición Internacional que celebró Barcelona en 1929, coincidiendo con la urbanización de una parte de la montaña de Montjuic. La Familia Real contaba entonces con un Palacio Real en Pedralbes de reciente construcción, sin embargo se decidió que lo idóneo era que contara con una residencia dentro del recinto ferial. El proyecto del Palacete se encargó a Juan Moya, arquitecto de los “Reales Sitios”.

El derribo de dos de los pabellones de la Expo, el Palacio de las Misiones y el de Arte Moderno, permitió décadas después ampliar considerablemente sus jardines.

Clausurada la Exposición, fue propuesto como sede del Museo Municipal de Música con el nombre de Palau Isaac Albeniz, proyecto del que solo nos quedó el nombre. Finalmente, el ayuntamiento decidió ampliar con nuevas construcciones el Pabellón Real para dar al conjunto un uso representativo de la ciudad. Se remodeló el interior, se decoraron las nuevas estancias y quedó terminada la obra en 1970. De esta etapa son las pinturas de Salvador Dalí, que evocan alegóricamente la Ciudad y la Cultura.

El Palacete Albeniz resalta porque no sigue las pautas de la arquitectura mediterránea y catalana de la mayoría de los palacios y pabellones de la Exposición, sino que se encuentra más cercano a los gustos borbónicos y de la corte madrileña de principios de siglo.

En nuestros días se ha convertido en el lugar de acogida y recepción de visitantes ilustres de Barcelona, así como la residencia que la ciudad ofrece a la Familia Real.

Los Jardines Joan Maragall, de estilo afrancesado, y con 3,6 hectáreas, tienen su origen en los que diseño J.C.N. Forestier en torno al Pabellón Real  en 1929, y que fueron ampliados en 1970.

Las perspectivas, las diversas panorámicas, el conjunto de surtidores y saltos de agua (diseñados por Joaquín Casamor) y las 34 esculturas de gusto clásico y temática femenina dominante marcan el carácter de este jardín.

Un rincón de Barcelona que merece la pena una visita. Aunque los jardines solo están abiertos sábados, domingos y festivos, de 10h a 15h. La entrada, desde la avda. de L’Estadi (delante del estadio olímpico).

CCCB

C/ Montalegre, 5 - Barcelona

T. 93 306 41 00

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